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Channel: Avelina Lésper
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ROJO.

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Henri Gervex se inspira en Rolla, un cuento de Musset, 
Incita al sacrificio, muerte, cambio, resurrección, entrega, estallido, el rojo desata el apetito porque nos excita, lo deseamos y exige el precio de tenerlo.
En los retablos góticos el manto de Cristo son cascadas de sangre, heridas que nunca cicatrizan, la resurrección del dolor cubre al cuerpo para hacer visible el alma.
 Velázquez, que hizo del retrato un espejo, pinta a Inocencio X envuelto en rojo, manto, trono, piel sanguina, el realismo le recuerda al pontífice que representar a un dios no lo hace divino. Francisco I toma en sus brazos a Leonardo de Vinci, el poder pidiendo piedad al arte, el pintor fallece y todo el arte se muere, el lecho mortuorio que pinta Ingres es rojo, cueva densa de terciopelo, sepulta el misterio, el cuerpo deja una obra eterna. 
Anita Berber se viste de rojo para suicidarse, Otto Dix pinta un altar en el cabello, el vestido, las uñas, los labios, la ofrenda a sus vicios, la redime en el exceso.
Courbet exacerba la visión del sexo y retrata a una joven que se desnuda mientras lleva puesto un zapato rojo. Hans Christian Andersen castigó a la lujuria y la vanidad de Courbet y en su cuento esos zapatos rojos desobedecen a la voluntad, enviciados en un tortuoso y frenético baile, hasta que un verdugo los mutila, el muñón queda como memoria y ausencia. El corset rojo tirado en el piso, Henri Gervex se inspira en Rolla, un cuento de Musset, la mujer descansa mientras su amante la mira antes de envenenarse.
Rubens anuncia el ultraje de Las hijas de Leucipo, el manto rojo entre sus cuerpos es sostenido por Castor, la violencia de la escena, el movimiento de lucha y orgia, está dirigida por los cupidos que llevan las riendas de los caballos, el apetito de la carne es un círculo de insatisfacción.
En los rojos paisajes de Turner el cielo pinta a la tierra, que se prolonga hasta la pintura de Rothko, un paisaje sin cielo, sin tierra, clima puro que nace de no mirar, nace de sentir.
El cuerpo dentro de un cuadro rojo, microscopio que lo expande y lo deforma, Bacon retuerce las extremidades, saca los cerebros, mastica el sexo y lo abandona en la amorfidad esencial del cuerpo rendido que escupe su sangre en una muralla.
El Chakra que conecta los genitales con la Tierra es rojo, el calor del sexo se funde con el de la naturaleza, el gobierno del cuerpo está en ese centro.
Matisse se engolosina y plasma la armonía en una habitación roja, todo en esa pintura se come: la pared, el mantel de la mesa, las frutas, el vino, es la gula por el color y el trazo. Tamayo rebana la sandía y se come la pulpa, engolosinado repite decenas de veces hasta que nos deja hartos y decepcionados, buscando comer otra cosa que no sea su sandía.
Los muros de Pompeya son rojos, la lava del volcán los dejó intactos, los lamió para descubrir a qué sabían, cómo conseguían estar ahí, ignorándola, retándola.
Baco consagró la sangre y la transfiguró en vino, las religiones beben sangre, el vicio y el fanatismo insaciables se dirigen al mismo lugar, comparten caminos, se encontrarán aunque se odien.
Federico García Lorca tiene un río, llagas, alacrán y tristeza, vio y cantó demasiado rojo, él como su Juana la Loca, fue “un rojo clavel ensangrentado”. 
La libertad, la revolución, la lucha armada, las banderas tiñen de rojo a héroes y tiranos, un orden muere para que otro surja. José Clemente Orozco pinta un hombre en llamas, Ícaro incendiado renace en la bóveda de la Historia, eterno rojo oxido.     

EL HUMILLANTE DÍA DE LA MUJER

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Antoine Watteau, Toilette
El día internacional de la mujer es un placebo populista, pretenden que con un día de eventos, mesas redondas, conferencias, ediciones de libros que nadie lee, se solucionan las grandes desigualdades que padecemos la mitad del género humano. Es un día para que los círculos feministas, ONG’s defensores de derechos desde los cómodos escritorios paraestatales se pongan en circulación y se platiquen entre ellas, es un vergonzoso premio de consolación, es la fiesta que reemplaza la molestia de hacer.
 Tenemos comisiones de igualdad de género en la cámara de diputados y matar a la esposa sigue siendo un delito menor en muchos de los estados de este país, y en cambio el aborto es causa de prisión, la diferencia es que un crimen lo comete un hombre y del aborto se responsabiliza únicamente a la mujer, aunque la pareja esté implicada.
El día internacional de la mujer a mi como mujer me humilla, no me da satisfacción que exista un sólo día al año para recordarnos que la mujer en la construcción actual de la sociedad continúa sin una integración total que le dé acceso a los mismos derechos salariales, legales y  morales que el hombre. El multiculturalismo ha fomentado la desigualdad, defendiendo las tradiciones culturales como si estás tuvieran un valor legal o ético se permite que las leyes tribales continúen haciendo de la ignorancia y los prejuicios un código social, y en la más grande de las contradicciones los Derechos Humanos se acaban cuando entra la defensa de las “tradiciones multiculturales”, y los mismos defensores de los derechos argumentan que se deben respetar las diferencias y las costumbres. Los crímenes de honor y la marginación son parte de esas ancestrales costumbres, y son intocables únicamente por su substrato folclórico, gracias al multiculturalismo la violencia en contra de las mujeres es parte de la identidad nacional.
Las diferencias no son exclusivas de la pobreza y el folclor, en los corporativos las mujeres ganan menos que los hombres, un promedio de 24% menos en México, todas las secretarias son mujeres y los jefes son hombres. La industria del espectáculo mundial y en Hollywood en particular, los sueldos de las actrices son menores que los actores, es casi imposible otorgar un proyecto de gran envergadura para que sea dirigido por una mujer. Invariablemente los ataques a las mujeres son sexistas, no hay diferencia si esta se dedica a los negocios, a la política o al show business, el flanco más frágil para insultarla es su género.
Las artistas feministas recurrirán al lugar común de hacer obras con botes de limpiadores y anuncios publicitarios culpándolos de la anorexia, reduciendo a la caricatura la situación femenina para no ver el contexto real, y quedando bien con las instituciones que subvencionan sus obras.
Celebrarán este día con listoncitos rosas, con rebajas en las tiendas, harán mesas de discusión y las personalidades de siempre pasarán a cobrar su cheque por participar en todo esto, a pedir subvenciones para editar revistas que se concentran en decir nada, harán programas con las mujeres de “éxito” mientras el gobierno intenta hacer negocios con Arabia Saudita aunque en ese reino de la ignominia las mujeres son literalmente esclavas, y veremos que en nuestro país México, las niñas de 14 años embarazadas dejan la escuela porque no tienen acceso a la educación y la salud sexual.

CONFERENCIA AVELINA LÉSPER

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Analizaré la presencia de la poesía en el arte como un estado de creación metafórico, simbólico y armonioso. Contrastaré la pérdida de esa poética en la decadencia del arte VIP de la literalidad, la obviedad y simplicidad de ideas, obras y acciones.
Martes 15 de marzo 7 pm, en el Instituto Cultural Cabañas, en Guadalajara, Jalisco.

ENTRADA LIBRE. 

CONSUMO CULTURAL 100% DEDUCIBLE DE IMPUESTOS

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Marinus van Reymerswale,The Tax Collectors,oil on panel 
 El arte y la cultura padecen dos males esenciales que derivan en lo mismo: la falta de público y los constantes recortes en el presupuesto gubernamental. El Estado monopoliza el patrocinio, promoción y adquisición de los bienes culturales, y evidentemente, no puede con esta misión. La “generación de públicos” es un lugar común para implementar iniciativas que no han funcionado, las salas de los museos, conciertos y teatros siguen vacías.
Es prioritario generar mercado y se va a conseguir con incentivos fiscales para que la sociedad civil consuma bienes culturales. El Estado, la comunidad cultural y el público tendrían que asumir que es más sano generar mercado en lugar de continuar con el  paternalismo de las becas, la discrecionalidad de las subvenciones y los recortes indiscriminados. Impulsar el consumo es más fructífero y esto inicia con la anulación de la ley Videgaray que estigmatiza la compra-venta de arte, para que la adquisición, patrocinio y divulgación cultural sean 100% deducibles de impuestos. Es un despropósito que por un lado reducen presupuestos y por otro estigmaticen el consumo de arte, si no hay dinero entonces alienten a la ciudadanía a que participe invirtiendo económicamente en la cultura. El paternalismo tiene paralizados, y en muchos casos comprados, a los “creadores culturales” que no están concentrados en la creación de su obra, se dedican a tramitar, gestionar, cumplir favores para conseguir subsidios y becas. Esto ha fomentado un dañino tráfico de favoritismos, opacidad y engrandece el monumento del gobierno como el gran salvador de la cultura. La cultura tiene que entrar en una mayoría de edad, ser autosuficiente y verdaderamente independiente. 
Pieter Brueghel the Younger, The Tax Collector, oil on panel 1620-1640
Si una persona compra un libro, un disco, un boleto para un concierto, el cine o el teatro, patrocina un montaje y por supuesto, adquiere una obra de artes plásticas, entre muchas cosas, que ese gasto lo deduzca completo de sus impuestos. Esta iniciativa detonará el consumo, atacará de forma frontal a la piratería, hará que mucha gente se inscriba en Hacienda, motivará el patrocinio, generará fuentes de trabajo y capital. El Estado debe cumplir su compromiso de apoyar a la cultura eso no significa hacerlo todo, hay que motivar a la sociedad civil porque el consumo no sólo se traduce en dinero, se logra una sociedad culta, pensante y crítica. El criterio de lo que es apoyado y lo que no, hasta hoy es exclusivo del Estado y del grupo que está protegido por el Estado, estas decisiones en muchos casos o están de espaldas al público o despilfarran fortunas en espectáculos populistas. La sociedad civil decidiría qué apoyar si el consumo y patrocinio se deduce 100% de impuestos, y la cultura no estaría supeditada a los presupuestos, que son los que deciden la calidad de las iniciativas culturales. El público se hace partícipe de la cultura cuando sabe que su consumo le beneficia, es una deformación en la relación con el público que crea que el Estado le debe “regalar” el acceso a la cultura.

El consumo y la producción cultural tendrían que estar dirigidos a fomentar la participación. El público no decide por la calidad de un espectáculo o un libro, decide por el precio o por lo que es gratis, y al “creador cultural” no  le interesa el público porque exponga o no exponga, venda o no venda el libro, lo van a becar, así ¿cómo quieren generar mercado y público? No tiene sentido subvencionar y recortar, este círculo vicioso tiene hundida la industria cultural, que literalmente no existe.  

LOS MODERNOS

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Ángel Zárraga, La Dádiva. 
El mito del progreso es mesiánico y materialista, el liderazgo se hace obsesivo, encabezar ese movimiento lineal convierte a los “innovadores” en efímeros dictadores. La superficialidad de la apariencia es el lenguaje de la época. La exposición titulada Los Modernos enel MUNAL, es un diálogo entre obras europeas y mexicanas. La nostalgia protagoniza el ambiente, sentimos a la “actualidad” irremediablemente hundida en el pasado. Las obras en las que el artista antepone sus preocupaciones a las tendencias de la época, son las que perduran con la firmeza del que venció a la cauda. Horacio afirma en la Poética“Renacerán muchos vocablos que ya cayeron y caerán muchos que ahora están en honor”, los vocablos atados a la moda arrastran a la obra en la pérdida de vigencia. La época es perecedera, el tiempo elimina lo que hacemos para que exista, la obra que rompe con su tiempo logra un sitio para sí misma. 
Dr Atl, Las Bañistas 
Las Bañistas del Doctor Atl, es una obra excepcional porque no representa a su momento, concentra la obsesión de Atl con la naturaleza del elemento agua, la piel es agua, el cuerpo desnudo es paisaje; el Desnudo frente a la ventana de Jean Puy  no dialoga porque es una esquemática obra testimonial. La sensual narración de La Dádiva de Ángel Zárraga, a pesar de manifestar referencias de estilo en las mujeres, es eterna la pasión mística y carnal de la concupiscente ambigüedad de Zárraga, y con su impecable técnica es una obra superior a la idea de ser moderno. En Siqueiros es tan dominante su presencia que la pintura es toda Siqueiros, él es la obra, es el fenómeno de Picasso, que son más grandes que el momento, y en Siqueiros está la sabiduría de hacer del material una extensión de sí mismo, la piroxilina es un ADN. Las obras estrictamente sujetas a ser producto de la idea de ser moderno quedan en un recuento hemerográfico. Niobe de Andrè Masson, posee los rasgos que hoy podemos apreciar en muchos pintores que lo imitan y no saben pintar, estableció el canon de que sin entender qué hacen pueden fingir que pintan, y que la apariencia de actualidad es una aportación para la obra y no lo es. La actualidad, la fugaz carrera contra el tiempo siempre se pierde, por eso no es un valor, un artista podrá competir contra sus pesadillas y preocupaciones, como la luz o la composición del color, pero es derrotado si hace de su propio estilo la búsqueda de ser moderno y peor aún contemporáneo. 

La preocupación de integrar a las influencias que consideran actuales distrae de la finalidad de la obra, hacen del estilo el tema de la obra, lo cual es insuficiente, entonces saturan los cuadros de referencias y citas, se olvidan de la composición, porque no hay manera de dar orden cuando se dice nada, el estilo no dice por sí mismo, su mensaje se reduce a una noción temporal que por la inevitable física, perderá su aparente actualidad para ser parte del pasado. La obra se manifiesta inútil para el arte por obstinarse en ser útil para una época. La obra cubista de Diego Rivera es testimonio biográfico de su trayectoria, lo que hizo a Diego Rivera autor y artista fue la creación de un lenguaje personal que cumpliera con lo que él quería decir y esa imposición lo salvó de ser tragado por la temporalidad. La obra de Bacon se queda suspendida en su infinito continuum porque está habitada por su psique, la invención de sus planos, la dramaturgia del color, las masas corporales del toro y del hombre, es la tormenta del artista, para Bacon el tiempo no existe.   

Presentación del libro de Avelina Lésper

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Presentación del libro de Avelina Lésper

Feria del Libro de Bogotá, Colombia FilBo.

1 de Mayo a las 5:00 pm en el Salón Múltiple 5 de Corferias, entrada principal Carrera 37 No 24-67 Corferias.              

SÓLO ARTISTAS PANFLETARIOS Y SAQUEADORES (SAPS)

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Yo transporto, SAPS, 2016, Fotografía Aldo Hinojosa. 
 Qué desperdicio utilizar el nombre de David Alfaro Siqueiros para presentar decenas de artistas mediocres. Qué desperdicio invadir el acervo, la casa y el legado de Siqueiros para montar exposiciones y actividades de ínfima calidad. Qué desperdicio y qué ofensa llamar muralismo a las agresiones que cometen con la fachada de la casa de Siqueiros. Qué saqueo malgastar el dinero de los impuestos y del escaso presupuesto que se asigna a Cultura para mantener a Taiyana Pimentel en su dictatorial puesto en el museo y en la Tallera, pagar obras comisionadas de hiperbolizada estulticia y además deteriorar veloz y cínicamente el legado de Siqueiros. Les estorba el nombre de Siqueiros y lo reducen a unas siglas que dicen nada“SAPS”, que resignificaremos como: Sólo Artistas Panfletarios y Saqueadores. Y por si fuera poco, en un homenaje a sus despropósitos, montan una exposición con materiales de embalaje y los desperdician alardeando de un concepto congruente con su política de destrucción de la plástica.

Yo transporto, SAPS, 2016, Fotografía Aldo Hinojosa.
 El legado de Siqueiros estaba designado para investigar en la composición espacial que llevó al virtuosismo en sus murales y ninguna exposición desde el periodo que registran en 2009 ha estado orientada a esta investigación. Analicemos la trayectoria del SAPS: han mostrado hamburguesas encimadas, videos sin sentido, papeles recolectados en la basura, han hecho pedazos la duela del piso, han ridiculizado al muralismo comparándolo con una pinta de propaganda electoral o triturándolo en confeti, y literalmente le pagaron a Wilfredo Prieto para que se orinara en el nombre de Siqueiros. ¿Qué más quieren hacer? ¿Qué otra cosa le van a permitir a la dictadora Pimentel? ¿Hasta cuándo van a patrocinar y solapar la impunidad de este destrucción?
Orina y cerveza, Wilfredo Prieto, SAPS. 
 La exposición actual Yo transporto, es una instalación hecha con materiales costosos de embalaje especial para arte que los despilfarra en un montaje que ignora las posibilidades del material y que no sabe usar el espacio planteando torpemente el volumen, es una demostración de lo que sucede en este museo, y con el arte contemporáneo VIP: el contenedor, es decir el museo, es más valioso que el contenido. Las cédulas se pierden en hilarantes explicaciones en las que ni el artista ni la curadora se ponen de acuerdo en qué quieren decir, falseando la información al afirmar que esos embalajes se usan para pinturas o esculturas, cualquier profesional sabe que las cosas sin valor del arte VIP, obras como una sartén o un ventilador roto, también se embalan en esas cajas porque ya “son arte” reiterando que el contenedor valida al contenido.
Deterioro de los murales de Siqueiros en SAPS, Fotografía Aldo Hinojosa
La directora además utiliza la cédula de la exposición y hasta a los cuidadores del museo para divulgar que “sus finanzas son muy deterioradas” y en realidad para lo que hace no necesita dinero, al contrario, deberían indemnizar al público y multar a cada artista por el descarado saqueo que hacen contra el museo, el erario y el nombre de Siqueiros usando el espacio para las infra inteligentes cosas que exponen. La virtud más sobresaliente de esta obra, según Pimentel, es que el artista la dona y con su venta va a “reconstituir las deterioradas finanzas del museo”, si ese es el objetivo del SAPS pues ya se tardaron, en vez de seguir ensuciando el nombre de Siqueiros, y “aludiendo a la construcción ontológica de conocimientos” hagan otra “intervención espacial” y  metan una taquería-gourmet VIP o lo que la directora crea que “redefine la economía del museo”, con la ominosa trayectoria que tiene en ese espacio ya es lo único que le hace falta hacer.

DESHUMANIZAR AL SER HUMANO

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Caravaggio, David sostiene la cabez de Goliat
El progreso no necesita poesía ni ética, el dinero no se hace con filosofía, se hace con economistas expertos en crear “servicios financieros”. El gobierno de ministro japonés Shinzo Abe, coincidiendo con la administración de Obama, han decidido privilegiar las carreras de ciencias, tecnología, ingeniería y economía para descartar de los planes de estudios a las carreras de Humanidades. Shizo Abe afirma que estas carreras “están fuera de la realidad” y la administración Obama quiere enfocarse al “progreso”.
La contradicción en la desvalorización de las carreras de Humanidades porque no producen dinero o no implican progreso bruto como la invención de un teléfono móvil es que todo lo que hacemos está a servicio de los seres humanos y lo hemos hecho porque valoramos lo que somos gracias al pensamiento Humanista. Todo conocimiento es humano, desde el tecnológico hasta el filosófico, la diferencia está en el área que nuestras necesidades buscan satisfacer, si desechan una parte de este conocimiento nos dejan en la orfandad y frustrados. El ser humano creó a las artes y a la filosofía porque las necesitaba para comprenderse a sí mismo. Las primeras acciones de solidaridad y protección entre los seres humanos que detonaron el progreso sucedieron gracias a la consciencia de lo que somos. Sin las Humanidades la sociedad caería en un nihilismo tal que ni el dinero tendría función. Desechando la estructura de pensamiento y obras que nos dan las razones para ser y reconocernos en nuestra esencia, la existencia del ser humano perdería sentido y el progreso no tendría motivos para continuar.
¿Para qué la ciencia se esfuerza en salvar una vida si desconocemos el valor de lo humano? ¿Por qué vamos a crear ciudades más avanzadas si carecemos de la ética que dirija una convivencia armónica? Constantemente caemos en la barbarie, las noticias sobre fraudes financieros, terrorismo y narcotráfico son diarias, sus protagonistas comparten la deshumanización, el desprecio por valores éticos y el respeto al Otro. En Occidente la separación del conocimiento en aras de la especialización causó gran daño, en sus orígenes la ciencia y la filosofía estaban unidas, la investigación de la estructura del Universo era parte de la pregunta sobre la presencia del ser humano como habitante consciente de su existencia. La especialización originó la marginación de áreas del conocimiento y las encasilló para más tarde eliminarlas, si mantuvieran sus lazos no podrían prescindir de ninguna de ellas.

Con estas reformas las universidades estarán abocadas a educar seres humanos que sirvan como máquinas, que no tengan preocupaciones que vayan más allá de generar capital para otros. Marx predijo que el capitalismo terminaría por acabar con la sociedad, y tiene razón, una sociedad sin ética, sin apreciación por la belleza, sin la comprensión de sus valores intangibles, se dirige a la aniquilación, a caer en la violencia y  de esto ni Apple, ni los bancos, ni nadie podrá salvarnos.  

NINIS

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Becario BBVA Bancomer. 
El actual Museo Carrillo Gil se ha convertido en el refugio de los ninis: los expuestos ni son artistas, ni tienen talento, ni saben curar una exposición. Como ni hay exposición permanente, el espacio ni de referencia turística sirve, así que sin las obras que le dan sentido lo llamaremos desde ahora Museo carillo vil
Las exposiciones montadas son: los ninis BBVA Bancomer, una exposición de un artista VIP importado de España y otra que usa como “pretexto” el aniversario de Hieronymus Bosch, el Bosco y su pintura El Jardín de las Delicias.
Becario BBVA Bancomer. 
 Los ninis BBVA Bancomer pertenecen a un sistema que premia con becas las escasas posibilidades que tienen para hacer algo con sus vidas y les abre la puerta al gymboree del arte VIP, aquí no sólo cualquier cosa, ocurrencia, gesto o vivencia es arte, además la beca se suma a la iniciativa de la Asamblea de Representantes de la Ciudad de México de dar el 50 por ciento de descuento a los ninis en el transporte público, beneficio que pueden extender al resto de los artistas y curadores del museo. El banco invierte sus ganancias en la colección de obras de un montón de “jóvenes valores” que incluyen una beca para irse de vacaciones en coche; beca para “estudiar el tiempo de la improductividad”  y “qué es lo que ocurre cuando no ocurre nada” una explicación que describe con un pleonasmo toda la exposición; en otra obra se “critica a los valores formales del gigantismo” que incluyó beca para la acción-competencia de comer papas fritas; en otra más no satisfecho con ser beneficiario del banco reivindica al sistema financiero con una falsa crítica; y un conjunto de ociosidades recreativas respaldadas por cédulas en las que los agradecimientos son listas de nombres que ayudaron o intervinieron en la realización de estas cosas porque los ninis son incapaces de hacer solos sus elementales objetos, situación que confirma el catálogo que afirma que es un “modelo artístico a medio camino entre la ciencia, la academia y la pedagogía”.

Becario BBVA Bancomer. 
 El artista de España, Eugenio Ampudia, al margen de que en sus obras no hay gran diferencia con los ninis becarios, una obra es “sustancia pegajosa en el piso”, la curaduría es tan deficiente que no hay forma de encontrar cédulas, ni un trayecto lógico, a menos que esto sea parte de la obra o de lo que el artista “reflexionaba”.
Exposición con el pretexto del Bosco. 
La exposición alusiva al Bosco, es sintomática de la falta de comprensión que el arte VIP tiene con la pintura, los más de 20 artistasy su curador no logran ni remotamente dimensionar El Jardín de las Delicias. La pretenciosa y fatua idea de que el nulo manejo del espacio de la curaduría con esa aglomeración de videos, objetos, textos y sonidos es una “entropía” que puede darnos una referencia o interpretación de esta pintura, únicamente describe lo desproporcionado y vanidoso que es el arte VIP con los conceptos que usa, demuestra la superficialidad en la que se desarrollan y en el momento que abordan la obra del Bosco, que sí tiene contenido filosófico y estético, ignoran cómo analizarlo y mucho menos replantearlo. La desesperación curatorial rellenó con textos lo que los artistas no pudieron decir por su incapacidad de acceder a la complejidad simbólica, al estado de la belleza de la pintura. Estas personas no saben ver al Bosco, no les interesa, las obras podrían cargar con otro “pretexto” y daría lo mismo, hasta la pintura de Manuel Mathar que está muy bien realizada, no tiene qué hacer ahí, se supone que la acompaña un trabajo sonoro imposible de detectar.

No es que se hayan quedado cortos, es que están en la indigencia intelectual. Si quieren hacer homenajes, o lo que sea que el curador haya pretendido, tomen a sus genios culmendel estilo VIP como Yoko Ono, Jeff Koons y demás luminarias, eso es lo que está a su alcance mental. 

SIN SIGNIFICADO

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Saturado de textos, atiborrado de palabras, engordado con pretensiones semánticas, el arte VIP es un contenedor de significados, lo que sea, cualquier objeto y gesto están supeditados a “significar” y ese “significar” está constreñido, con una disciplina sectaria, a ser político, buen rollista, soft-izquierdista que no incomode al neoliberalismo. El paralelismo es: todo significado político da a la obra significado de arte, esto es, la condición de arte está supeditada a ser la depositaria de un slogan, hemos regresado a los regímenes totalitarios que despreciaban el arte que no fuera un instrumento proselitista. El compromiso creador no es con el arte, es con la propagación de un “significado”, así la obra es un significante atado a un significado políticamente aceptable. 
 
Rompamos con esa sumisión, el arte no está obligado a significar, a construir falsas metáforas para conquistar un valor o ser apreciado, el significado es una sensación íntima del creador, no más, es un presentimiento, es el primer latido de la obra. El arte contemporáneo VIP está condenado al significado porque tiene miedo al silencio, al espacio para que la obra exprese su propia realidad, se manifieste, requiere la literalidad conceptual para manipular al espectador, obligarlo a “entender” a asimilar. La necesidad del artista de plasmar un color, modelar arcilla, trazar una línea, es suficiente para significar, para nacer y existir como obra. El significado por más social-político y trendy que sea no es capaz de convertir algo en arte: la presencia del arte es su propio significado, que es capaz de marcar y alterar el espacio-tiempo, que se manifiesta en la urgencia expansiva de la creación.
La belleza, la imaginación y la factura han sido sacrificadas para ser sustituidas por palabrería significativa, tenemos prohibido sentir a la obra; la intuición, la emoción que nos contagia el color, la textura, los volúmenes, la estancia en la contemplación es poética silenciosa. La significación limita a la obra, la hace dependiente, la experiencia estética pierde la libertad de unirse con la sutileza de la obra, la complicidad del diálogo íntimo queda violada por la asamblea de conceptos. El artista que parte de un significado externo mata su voz interna, su instinto con la materia, la forma. La piedra es piedra, el rojo es rojo, lo que el artista y la materia tienen que decir está dicho en el objeto mismo, la manipulación significativa es una mentira adosada a la obra. 
La obra con la obligación de significar pide permiso para existir, castrada depende de un salvoconducto teórico, de una justificación frente al espectador, y no es así, la obra no tiene que justificarse verbalmente, la obra tiene que existir en su libertad y en su verdad. El significado inicia como un misterio que intriga al artista, y continúa como un misterio para el espectador que debe adentrarse en la contemplación para percibirlo, significar no es explicar, no es un panfleto que mutila el razonamiento.
Los vicios del lenguaje y de los conceptos enferman a la obra, la distorsionan, la hacen intransitable, no hay estancia posible dentro de algo sobre explicado, no hay investigación. Las obras que sobreviven, que trascienden como arte, son más grandes que el significado, más poderosas que los conceptos, son viscerales, orgánicas, nacen de la profundidad de la psique, de los azares del espíritu. Las que dependen de la tiranía de las palabras curatoriales, teóricas y académicas, morirán con esas palabras, desaparecerán en la vergonzosa tumba de la demagogia.  

DRESS CODE

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 La moda da la libertad de aniquilar el pudor del ridículo, divertirnos  con lo que mañana nos avergonzará. La combinación de elementos de El arte de la indumentaria y la moda en México que se expone en el Palacio de Iturbide es la arqueología del kitsch neo nacionalista. La presentan como la relación entre arte y moda y ese es justamente el mal entendido: que expongan dos cuadros de Diego Rivera, un Anguiano y algo más no es suficiente para establecer esta relación. La indumentaria indígena y la obra de Rivera son una muestra aparte que se sale de contexto. La ritualidad, elegancia y austeridad del corte y los tejidos indígenas  poseen una armonía estética que choca con el ruidoso carnaval del resto de la pasarela. 
 La muestra permite una experiencia ilustrativa y recreativa: la descripción cronológica de cómo se gestó el kitsch neo nacionalista. Podemos decir que tenemos dos etapas de modernidad: la que fundó el exilio español con su influencia Art Decó y la determinación constructivista de vigencia intemporal; y la que surgió en los años cincuenta y sesenta que degeneró en desechable. El recorrido está acompañado con películas, es una tesis de cine y sociología ver los fragmentos de Tulio Demicheli, Gavaldón o José Luis Ibáñez, telenovelas filmadas, la “pose” ser ricos en un ángulo de sala, la modernidad peinada con pelucas de caireles, la Nouvelle Vague la recontextualisamos en Nouvelle Camp, la radicalidad se viste de poliéster estampado. La falta de talento es un leguaje cinematográfico que consagra a sus actores y directores.
Armando Mafud
 En estos años se construye nuestra nueva identidad nacional, y entra lo más fallido de la moda, la arquitectura y por supuesto el cine, fueron tan modernos que ni cuenta se dieron de la dirección estética engendrada y que merecía que se cayera a pedazos en el terremoto del 85. De las ruinas construyeron el neo nacionalismo y surgieron los vestidos de crinolina “inspirados” en los alcatraces de Rivera que desencadenaron la masificada industria tacky de Pineda Covalín.
 
Mitzy
 La ausencia de fragmentos de telenovelas y del concurso Señorita México es un terrible vacío conceptual, porque son los escaparates de la moda y de la esencia nacional, la apoteosis de la pureza de nuestra raza está en las misses vestidas de concheras, en la venganza de clase de la sirvienta con senos de silicona, pestañas y uñas postizas como la patrona. El rebozo se convierte en bandera política que padece la pusilánime percha de sus usuarias, las “primeras damas” se lo amarran como un estorbo que tiran después de la foto sexenal. Pirámides, águilas, lentejuelas, mariposas, reconfigurados en el mismo proceso de los tacos de canasta servidos con guarnición de “espuma de aguacate y jitomate confitado” o guacamole resignificado. La  literatura de Laura Esquivel y Elena Poniatowska, la pintura y la cocina de Martha Chapa ven cantar y bailar a sus hijos en el extinto grupo Garibaldi.
 
Armando Mafud

Pedro Loredo
El neo nacionalismo adquiere su épica en la intelectualidad y los museos de arte contemporáneo, el ensayo literario se ocupa del futbol y sus autores son galardonados; la revista Artes de México derrocha cursilería oportunista con los luchadores AAA; la balacera de la falta de sintaxis, narración y trama de la “literatura del narco” invade las mesas de novedades. La obra de Betsabeé Romero, Amorales o Cruz Villegas, le deben más a Mitzy, Pedro Loredo y Armando Mafud que a Jacques Derrida. Lo que queda de “nuestras raíces” es el orgullo del populismo reinventado.

Julio Chávez

Pineda Covalín 

OXTANKAH

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Pectoral encontrado en Oxtankah
 El objeto que acompaña al espíritu en el tránsito por el inframundo tampoco muere, renace y cumple su misión de ser portador de una historia. La muerte era un misterio, castigo y promesa antes de la objetividad científica y materialista, paradójicamente desmitificar y explicar a la muerte no ayudó a comprenderla o asimilarla. Morir y nacer tenían un valor sagrado, el cuerpo estaba animado por algo más que sus funciones vitales, y esa esencia ignoraba los límites del tiempo, podía ir a otras estancias metafísicas inalcanzables para la pesada corporeidad.
En el Museo del Templo Mayor se exhibeOxtankah, un pectoral restaurado por científicos del INAH que fue encontrado en una tumba en la ciudad de Oxtankah en la zona maya de Quintana Roo. La pieza está formado por más de mil quinientas cuentas circulares de concha nácar pulidas, es un pectoral luminoso que acompañó el cuerpo de un hombre poderoso sepultado con ofrendas. Los investigadores especulan que el pectoral podría estar inspirado en la piel del pez xihua, pescarlo era un privilegio porque se consideraba un manjar para personajes poderosos. La pieza fue encontrada completamente desmembrada, restaurarla fue revivirla, el objeto regresó al mundo, hizo su intemporal viaje en círculo, el cuerpo desaparece y el ritual persiste. 
Tzompantli en el Museo del Templo Mayor
La muerte es algo más que la vida, es eternidad, un pectoral de concha, una cubierta blanca matizada, es motivo para morir, el hombre que quería ser pez, tal vez, planeó su muerte, diseñó su tumba, seleccionó a sus acompañantes, las cerámicas, el día y la hora los predijo un sacerdote. El trabajo para crear este pectoral fue largo, minucioso, exprofeso, la muerte esperó paciente a que el joyero terminara su obra, pescadores de conchas llegaron con su cargamento y el joyero seleccionó los caracoles, pulió las cuentas, las unió consciente de que final es dictamen. El hombre quiere ser un pez, nadar entre las acuáticas cuevas del inframundo Xibalbá y llegar a la inmortalidad en el brillante y ligero cuerpo de un xihua. ¿Qué se hace mientras tanto? ¿Cómo se vive esperando a la muerte? ¿Cómo se prepara al espíritu? ¿La creación de cada cuenta fue un deber a cumplir? ¿Qué significaba unir cientos de frágiles círculos para protegerse con ellos? La muerte es la posibilidad de habitar en la experiencia de otro mundo, conocer a los dioses, cambiar el enfermo y agotado cuerpo por el de un pez codiciado, bello.
La impecable restauración fue realizada por Emiliano Melgar y Lourdes Gallardo es ciencia que recurre a la comprensión de lo humano y nos permite imaginar a partir de la dimensión de la muerte y la naturaleza en las culturas prehispánicas.
La comparación de las estelas y frescos mayas revelaron que esas cuentas dispersas eran una joya, un amuleto que vistió con su fuerza el camino a través del inframundo. La alquimia daba un ánima, un substrato inmaterial a cada piedra, tronco, planta, animal, la compañía de este ente nos trasmitía su energía. La realización de la pieza es algo más que la maestría de un joyero, está cargada de magia, de fe, de la relación del ser humano con una naturaleza que es sagrada, el material artístico tiene su propia fuerza, el pectoral de concha brillará en la oscuridad del inframundo Xilbalbá, será el resplandor que eternice al espíritu. El arte prehispánico es arte religioso, la connotación de cada obra es una estética sacra, su belleza y simbolismo es parte de la concepción metafísica de existir a pesar de nuestra efímera corporeidad.  

INFRAFILOSOFÍA

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Infrafilosofìa, dibujo de Eko 
La filosofía se ha quedado sin temas o preocupaciones para generar pensamiento, especulan  en las nimiedades sociales, profundizan en lo superficial ignorando las grandes cuestiones. La sociología desde hace años está entre las vertientes dogmáticas que alistan sociólogos en grupos de choque hasta los que también hacen tesis de la fatuidad. Las universidades imparten cátedras y los ensayistas filosóficos escriben libros sobre lo que antes estaba condenado al desecho y el consumo: las series de televisión.
La sociedad de baja escolaridad siempre ha confundido la ficción televisiva con la realidad, pero que lo hagan los filósofos es un síntoma de la adopción de la frivolidad para no ver a la realidad. Estudios sobre The Simpsons, los Soprano, Mad Men, y ahora esta serie de pelucas y disfraces llamada Guerra de Tronos. Antes las telenovelas reunían a sociedad iletrada, las discutían y las lloraban, y hoy son estas series las que reúnen a los académicos que tienen la misma actitud de la adolescente que sueña con casarse con un hombre rico. La ficción televisiva desde su origen hasta hoy es un negocio que genera entretenimiento para vender espacios publicitarios, el rating jala anunciantes y consumidores. Los filósofos y columnistas no lo ven así, se creen que la pantalla contiene las claves de nuestra existencia, ven las implicaciones de los acontecimientos políticos en sus capítulos, han encumbrado a sus guionistas en demiurgos que descifran nuestra fatalidad. Los periódicos hacen reportajes sobre la trama, entrevistan a los actores como si las experiencias e ideas del personaje fueran del actor, incapaces de separar el ser ficticio del real y eso que la prensa está para exponer hechos. La parte supuestamente intelectual de la sociedad está trabajando para los corporativos de la televisión, son sus nuevos publicistas. Decirle al público que una serie televisiva contiene valores humanos e intelectuales es una invitación a que absorban ese pensamiento como algo profundo y comprometedor.
La tendencia inició en las universidades americanas y es explicable porque ellos son los dueños de este espectáculo, que una productora patrocine una cátedra o le pague a un autor un ensayo es posible porque el sistema lo permite. La cuestión es que esa visión se ha implantado hasta el delirio y es ridículo que un programa de televisión detone un debate desde una óptica acrítica y asumiendo que sus ideas son una propuesta intelectual. Estas series son parte del imperialismo ideológico y no lo ven así, se tragan sus ideas y las promueven.
La filosofía analiza los diálogos de la televisión como si estuvieran leyendo a Platón, inventando significados y predicciones como los tarotistas viendo el futuro en sus naipes. La frívola ceguera de la filosofía es la que deberían analizar, que acepten que han caído en la autoayuda, se avergüencen de los libros sobre Facebook, y dejen de pregonar el negocio de la televisión. Es la infracultura televisiva engendrando a la infrafilosofía. 

FEMINISMO RETRÓGRADO

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The No More Cutting
 Las ideologías han hecho mucho daño al arte, pero el feminismo artístico además hace mucho daño a las mujeres. El reduccionista y simplista planteamiento de género que sustenta sus ideas acorrala a las mujeres en su cuerpo, para el feminismo, igual que para la pornografía y las falocracias, las mujeres somos únicamente un cuerpo y peor: una vagina. Las obras, como siempre, son de protesta y ésta se hace a través del lenguaje burdo e inmediato de la pornografía: una artista VIP para protestar en contra de las violaciones hace un video donde “le pide a un tipo que la viole”, si hay consenso no hay violación pero para los estándares del arte VIP no existe la contradicción; otra artista VIP manifiesta su indignación con la relación de “abuso y sumisión” entre el coleccionista y el artista y también hace un video con un “coleccionista que le pagó a ella para tener sexo y grabarlo como parte de una obra de arte”, el comprador se quedó con una copia del video y la otra se exhibió en un museo. Los dos videos, que son un par de ejemplos de los miles de obras VIP que se hacen de este tipo, utilizan el lenguaje de la pornografía que es justamente un negocio que ha explotado a los seres humanos desde fechas inmemorables.
The No More Cutting
 El arte VIP tiene entre sus canonjías ser incongruente y demagogo, las artistas VIP están protegidas por un sistema intelectual que las alienta para convertir en arte su exhibicionismo, les permite cometer el delito, que según ellas, están denunciando. ¿Cosifican, degradan y humillan a la condición femenina para defenderla? Un colectivo de arte en Londres hizo mil vaginas de papel para “concientizar a las mujeres de que se sientan orgullosas de su cuerpo y no accedan a la mutilación femenina”, en el colmo de la irresponsabilidad otra vez reducen a las mujeres a ser una vagina y además es ella “la que debe concientizarse de su cuerpo” las culpan del horror del que son víctimas como si fuera una decisión voluntaria. Esta obra se hace con subvenciones de ONG’s y con desmedida demagogia agregan que no se “trata de atacar ni las costumbres ni las tradiciones de la gente, es para que las mujeres actúen”. Las artistas se limitan a hacer vaginas de papel en lugar de pedir que ese delito se castigue con prisión, que existan leyes que se apliquen, y decir abiertamente que hay costumbres y tradiciones que atentan en contra de los Derechos Humanos y que deben erradicarse. Con la obra quedan bien con los mutiladores, con el Estado y con las ONG’s y suman un rubro en su currículo de “mujeres artistas activistas”.
The No More Cutting
Las niñas que sufren esta mutilación están sometidas en todos los aspectos de su vida, no las dejan estudiar, ni trabajar, las casan con hombres mayores, su problema no se reduce a una parte del cuerpo, involucra a su existencia atrapada en un sistema vejatorio que está por encima de las leyes. Las artistas feministas VIP en su mayoría son un grupo de demagogas cobardes que venden la feminidad en términos más abusivos que la pornografía.  

POKEMON CURATOR

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Pokemon curator señalando una pokeobra de arte VIP
La realidad expandida o Augmented Reality, AR, y su materialidad siempre ha sido el tema del arte contemporáneo VIP: la realidad y sus objetos sacados de su contexto y “aumentados” con una prolongación ontológica que los convierte en arte. El indudable valor artístico de un vaso de café tirado en la calle radica en un estudio de la naturaleza del ser, ¿cuál ser? el del vaso que está “expandido” por un substrato metafísico. Eso “aumenta” la dificultad de mantener el proceso creativo que se supone involucra el arte, salir a esta vorágine de imágenes y objetos para mirar y, peor aún, decidir cuál es el idóneo para convertirlo en arte, es tan agobiante que los artistas VIP piden becas para soportar la presión.
Les tengo una gran noticia, ha llegado la solución, la tecnología inventó un curador digital que trabaja como un curador analógico, es una prótesis del cerebro para los artistas VIP: Pokemon curator, el app para smartphone que decide qué cosa es arte. Reúne realidad, arte y virtualidad, todas las vertientes del arte contemporáneo VIP. Funciona muy fácilmente: el artista se registra como pokeartista y elige su Pokemon curator y su especialidad, por ejemplo: Pokemon-basura o Pokemon-desperdicios de construcción, Pokemon-sangre y residuos de cadáveres, o Pokemon-feminista, la variedad responde a cualquier necesidad creativa. El artista sigue al Pokemon curator por la locación ambiental del mundo físico, es decir la calle, y éste le señala la pokeobra de arte, el pokeartista la atrapa y rápidamente se la adjudica como de su autoría porque miles de artistas VIP compiten por tener más pokeobras. El app Pokeart está conectado con los museos VIP más importantes y las casas de subastas que llevan el registro de los pokeartistas con más pokeobras y les asignan pokecoins que se usan para subir sus precios y darles exhibiciones. La competencia incluye los gyms que son la parte violenta, estos son los museos de arte VIP, ahí hay que pelear contra los otros equipos que quieren exponer sus pokeobras, la masacre está asegurada porque pueden pelear pokemergentes contra pokeconsagrados, la teoría es indispensable porque la batalla es en tiempo real  y el pokeartista con su Pokemon curator deben diseñar un ataque pokeretórico que cause mucho daño, todo se vale, romper las obras de los otros, robárselas y por supuesto borrarlos, acabar con la muy reñida competencia porque todos son designadores de arte.
Los pokeartistas pueden ir “madurando” durante la batalla y convertirse de pokemergentes a pokeconsagrados. Si quieren ganar más y expandir su percepción estética, optarán por un pokecoletivo artístico, pelear en grupo y acabar con los pokeartistas individuales. Los puntos de ataque incluyen museos de arte verdadero y disparar virtualmente a las obras para destruirlas, el Pokemon curator indica la obra y otorga pokecoins cuando está aniquilada, el pokeartista sube de nivel entre más obras destruya.
Tengan la precaución de llevar una pila extra para su smartphone porque se agota muy rápido, recuerden que este curador virtual es una prótesis de su cerebro y descargada generaría una crisis creativa. La experiencia abre al artista para que vea su realidad y su entorno, se salga del ostracismo del anonimato y se “expanda” en el mundo del arte VIP. El público normal se irá acostumbrando a ver hordas captando con sus smartphones botes de basura, colillas de cigarro, chicles pegados, y se deslumbrarán ante el proceso creativo de los nuevos valores del arte.   

CONFERENCIA AVELINA LÉSPER EN GUATEMALA

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CONFERENCIA AVELINA LÉSPER EN GUATEMALA
Miércoles 17 de agosto del 2016, 17:00 hrs.
Salón Mayor “Adolfo Mijangos López”
MUSAC (9ª Ave. 9-79 Z. I)

Entrada para todo público. 
El jueves 18 de agosto habrá un conversatorio con alumnos y docentes en el Salón Mayor del Paraninfo Universitario. Horarios por confirmar. 

JULIO GALÀN, EL ADICTO A SENTIR

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¿Tener sentimientos nos enseña a sentir? ¿Se puede sentir de una forma “correcta”? Cómo controlar el hacer y el sentir, el dolor y la ira, la soledad y la adicción de sentir. La pintura de Julio Galán es la lucha entre el método y el desbordamiento, su talento obsesionado con el detalle, con el cuidado físico y amatorio de la pincelada, está perseguido por sus emociones, prolonga la estancia en sus obras, en la construcción de esa imagen, las carga de elementos, crea una abigarrada narración, entreteniendo la urgencia paranoica de plasmar las escenas que lo acorralan, que lo amenazan con desaparecer.
 Los secretos siguen escondidos, en la exposición Julio Galán 10 años, en el Centro de las Artes de Monterrey, habita el Julio más íntimo y emocional. La obra es el artista, es su cuerpo, su vida, contiene al ser que la creó, el pudor es un obstáculo para decir, manifestarse y convertirse en la obra. La exposición es una inmersión en el autorretrato y en la conducta simbólica, en la creación del arquetipo pictórico que encarna la psique del artista, y que la manifiesta en un código personal indescifrable. La multiplicidad de la psique transfigurada, maltratada, expuesta para ser vista siempre, como un ojo sin párpado, en la vigilia eterna. ¿Qué contemplamos en la obra de Julio? Lo que nos duele, lo que no decimos y que no queremos olvidar, pintar el ritual del sacrificio, el artista que se ofrece al altar de nuestra catarsis.
 En el autorretrato titulado Mara, el pintor se pinta como un ramo de flores, un vanitas inspirado en las obras de Jan Brueghel del siglo XVII, denuncia que el artista experimentaba con su muerte mientras lo pintaba, su cuerpo floral y su vida se disuelven. Narcisista, frágil, efímero, la posibilidad de permanecer se escapa, los pétalos caen, su cuerpo se rompe, se castra, las escenas se confunden y el sentimiento permanece, el frasco de morfina cerrado: olvidar es dejar de sentir, vivir y morir sin anestesia; la bola de cristal, su silencio es la incertidumbre del destino. Julio rodea el vanitas con símbolos, juegos, escenas fugaces, desdibujadas, malos recuerdos, es él encarcelado por sus obsesiones.
 
 Desde el insomnio pinta cisnes, perros, osos, infiernos que invaden al sueño, que espantan al descanso. La descripción que hace de sí mismo nos orilla a aprender su lección, a llevar nuestras experiencias al límite para almacenar memorias, para tener qué decir, para asegurarnos de que estamos vivos; los minutos, sueños, objetos, son la orgía de la vida. El formato es una colección de penitencias, rompe el lienzo, lo penetra con listones, le adhiere telas raídas, mariposas, gotas de cristal que caen en lágrimas y semen, porque aquí hay llanto y gozo, porque si algo orilló a Julio a pintar fue el peligro de exponerse, vivirse, ser un agent provocateur, que su pintura lo utilizara y gozar con ella, como una víctima extasiada por los azotes. El collage es un pretexto estético que prolonga la naturaleza testimonial de su pintura, pinta a la vida que se sale de control y encuentra refugio en el lienzo, su fetichismo le exige habitarla con objetos.
 
 Exhibicionista y misterioso, inventa símbolos y disfraces para ocultar sus secretos, en un alarde de menosprecio para quien mira la obra, impone la superioridad del creador sin permitirnos conocer el detonante, porque tal vez no lo hay. Julio como un niño malo, juega solitario, dice mentiras para que lo castiguemos, dice que sufre para que lo consolemos, y pinta para que lo amemos.
 

DIAMANTES, ESTAFADORES Y CENIZAS

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Ultraje de la tumba del Arquitecto Luis Barragán en la Rotonda de los Jaliscienses Ilustres, México 
Sol: No, it's a moissanite.
Bad Boy Lincoln: A what-in-ite?
Sol: A moissanite is an artificial diamond, Lincoln. It's Mickey Mouse, mate. Spurious. Not genuine. And it's worth... fuck-all. 
Snatch, the movie
Lo peor de toda esta trama vulgar es que ni siquiera es un diamante “genuino”, es una imitación sintética, es un recuerdo fúnebre tacky. Las cenizas del arquitecto Luis Barragán convertidas en “diamante” es una de las estafas más ridículas de la Historia del Arte con la participación de los familiares del arquitecto, el Congreso y las autoridades de Jalisco. El esperpéntico engaño de la artista VIP Jill Magid fue posible porque tratándose de arte contemporáneo VIP nadie hace preguntas.
Vamos por partes: los diamantes fabricados con cenizas de cadáver no son “genuinos” como Magid les dijo, son sintéticos y son una costumbre tétrica para “recordar a los seres queridos”, es un servicio que muchas funerarias ofrecen en cualquier ciudad de Estados Unidos, la gente puede hacer diamantes con las cenizas de sus mascotas y hay una gran variedad en venta, de distintos colores, quilates y los montan en anillos, cadenas o lo que el cliente elija. La artista les hizo creer que era algo exclusivo, valioso y artístico, ustedes pueden entrar a internet para consultar precios y estilos en Cremation Solutionswww.cremationsolutions.com. Magid además les dijo que tenía que viajar a Suiza a realizar el “complejo proceso” cuando pudo hacerlo en Orlando o en Las Vegas, y seguramente ahí lo hizo. Es tan fácil fabricar diamantes sintéticos, hasta se pueden hacer con crema de cacahuate en el horno de microondas, pero aquí Magid pudo realizar su patraña porque tenía de su lado la frivolidad de la parentela y los custodios del arte nacional.
Supuestamente este “diamante” era para intercambiarlo por los archivos de Barragán que posee Federica Zanco en Suiza, ¿Se pueden imaginar que los suizos intercambien un archivo de 3 millones de dólares por un diamante falso que en internet cuesta entre 19 mil y 24 mil dólares? Los familiares de Barragán y los poderes estatales comparsas de esta comedia, violaron la dignidad de un homenaje al abrir la Rotonda de los Jaliscienses Ilustres, exhumaron el cuerpo, para que Magid convirtiera a Barragán en un recuerdo mortuorio de una viuda tacky de Las Vegas. La obra de arte es la farsa, participaron en lo que creen que es la vanguardia del arte y la “resignificación de un cuerpo en diamante” y a cambio les entregaron un souvenir barato. ¿Quién financió este circo? ¿Quién le pagó a Magid para que se riera de su ignorancia? Como en una escena de ópera bufa “les pidió la mano de Barragán” en las instalaciones del Museo de Arte de Zapopan en presencia de la directora Viviana Kuri y toda la familia, que además dicen que lloraron de emoción al ver el anillo.

Afortunadamente los archivos de Barragán están resguardados en Suiza por una fundación seria, que los mantiene lejos de la ignorancia y el oportunismo de las autoridades y los familiares, nada más falta que a otra artista se le ocurra hacer una piñata con ellos y seguramente se los entregarían. Magid eligió los restos de Barragán porque aquí podía montar esta zarzuela, tiene un montón de proyectos inconclusos con “diamantes” de cenizas. La galería suiza expone el anillo y el certificado que especifica el mismo proceso que ofrecen en Cremation Solutions. Magid proyecta en una de sus obras que al morir la conviertan en un diamante, ojalá la pongan en una plaquita con las llaves de la Rotonda que diga “abro y saco lo que me da la gana”. 

EXPLICACIONES Y CÉDULAS

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 El arte contemporáneo VIP es el arte de las explicaciones, cada gesto, obra u objeto, lo que el artista haya decidido que es arte, está protegido con una cédula que niega la evidente contradicción entre lo que vemos o escuchamos. Cuando la exposición no tiene el “éxito” esperado, los promotores y expertos afirman que fue porque no había una explicación contundente en las cédulas y folletos, que son indispensables porque dicen que la mayoría no se ha percatado, ni comprendido que el arte se trasformó y que ya no es lo que era antes. ¿Antes de qué? De que el talento haya sido sustituido por la mediocridad, la facilidad y la complacencia.
 La contradicción está en que el arte se complejizó en su retórica  y la manifestación como obra de arte se degradó hasta la estulticia. La obra ya no es el objeto y su evidente corporeidad, es la teoría que lo sustenta como arte. Esa teoría compleja y moralígena, porque toda obra tiene un substrato social “bueno”, escrita con la jerga y el entramado teórico que la hacen parecer algo serio, es un argumento débil e insuficiente. En el Armory de Nueva York se expone la “obra completa” de ese representante de la infra inteligencia que es Martin Creed, producto de la marca Young British Artists, creada y promocionada por el publicista Saatchi. La obra de Creed es un ejemplo de lo que hacen la mayoría de artistas, acá tenemos a su imitador Gabriel Orozco, que reúne el minimalismo de la inteligencia con el de la forma. Los críticos dicen que las obras de Creed hablan de “nuestra necesidad de autodestrucción, limpieza y muerte” y que “empujan a vivir y comprender el presente” y la obra es un video de una performancera defecando o una puerta que se abre y se cierra, una habitación llena de globos, cajas apiladas etc. Hacen referencias históricas del conceptualismo de los años 70’s, aseguran que lleva la “propuesta duchampiana con insólita profundidad” como si Duchamp pudiera ser “profundo”,  generan mensajes políticos y una serie de argumentos que justifican esas cosas puestas en un recinto como objetos artísticos. Entonces, si la obra es todo esto ¿por qué lo tiene que decir un texto y no su misma presencia? ¿Por qué Creed no puede producir un objeto capaz de existir sin retórica?
No es un asunto de información, el arte VIP es más proselitista que un político en campaña; tampoco es una novedad, tenemos décadas viendo lo mismo en miles de museos y galerías, de hecho son los reyes del mercado del arte; tampoco es el arte de “los jóvenes”, Creed y Orozco, y las súper stars VIP andan en los sesenta años o más. Es simplemente que la inteligencia y el talento no pueden falsificarse, estas obras son el resultado del inexcusable vicio social de promover y comercializar a la mediocridad, así como la comida basura es apoyada por millones de dólares en publicidad estas obras son publicitadas por universidades, museos y críticos para venderlas en galerías y subastas. 
El arte VIP no es el arte del presente, es el arte de un grupo abusivo de comerciantes y sus prosélitos; el talento, como siempre, sobrevivirá al fraude. 

ORO PURO

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Maurizio Cattelan, America , 2016 
El Rey Midas convertía en oro todo lo que tocaba, el arte VIP convierte todo en arte y también en oro. Imitando a los jeques árabes, sin aportar pero repensando las raíces escatológicas de toda una corriente artística, el artista VIP Maurizio Cattelan vendió al Museo Guggenheim un excusado cubierto con oro de 18 quilates. La nueva adquisición, orgullo del capitalismo, de los gastroenterólogos y del arte, fue instalada por los curadores en un baño, porque la obra es interactiva y obviamente funciona. El periódico New York Post le dio la portada con su reportero sentado interactuando con la obra de arte, y narrando con detalle su experiencia físico-cognitiva. Los curadores y las revistas especializadas se quejaron de que abordara con tal falta de respeto una obra que es “un homenaje a la Fountain de Marcel Duchamp y que permite una relación íntima con una obra de arte”. Es muy discutible que la “brillante” obra de Cattelan sea un homenaje, porque no mantiene la inutilidad del urinario, pero tienen razón al indignarse, así que aportaremos algunas ideas curatoriales para romper con la incomprensión del público y que se convierta en sujeto activo de la obra:
Instalen dentro del baño una biblioteca portátil con los libros de Arthur Danto y Gilles Deleuze para que lean y aprendan mientras participan en la obra de arte, la alimentación moderna sin fibra incrementará la concentración del usuario “creando un vínculo afectivo con el arte”. Impriman papel sanitario con la biografía completa de Duchamp, el estudio de William Camfield sobre el urinario y los millones de tesis de las universidades que educan artistas VIP, la transmisión de conocimiento será sensorial y supra-intelectual.
Realicen un nueva versión del performance de Marina Abramovic, The artist is present, en el que estuvo sentada en una silla en el MoMA, pero ahora “accionará” siete horas sobre el dorado trono ergonómico, mientras el público estudia su propio “mecanismo de percepción”.
Inviten a artistas consagrados a residencias artísticas para que trabajen su respuesta orgánica ante la obra dorada y que el resultado sea enlatado, como lo hiciera hace décadas Piero Manzoni, expondrán las latas, las cédulas describirán las diferencias entre cada contenido y los curadores escribirán un catálogo con ensayos sobre la simbiosis ontológica entre arte y cuerpo.
La conducta del público es impredecible, cada gesto y reacción es parte de la obra, documenten las “conversaciones creativas del ser en soledad con el arte” con una cámara de video grabando cada participación y que Martin Creed edite el video.
El  audio de estas grabaciones será parte de una instalación sonora que redimensione las reverberaciones que transitan desde la naturaleza física al artefacto artístico, llevando al público a una atmósfera de cuestionamientos envolventes.
La obsesión escatológica del arte VIP por fin alcanzó una de sus cumbres, generar más arte es cuestión de laxantes, el Fluxus se mantiene vigente, el conservador del Guggenheim garantiza que la obra “nunca se va a tapar”.
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